FOTÓGRAFO DEL VIERNES: DANIEL CANOGAR

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Mi universo es muy caótico y con tendencia a la angustia. A través del arte consigo dialogar con el entorno para negociar todo aquello que me resulta angustioso, preocupante”

Nace en Madrid en 1964. Con 14 años descubre la fotografía, gracias a que en casa hay un laboratorio fotográfico, atraído por los olores y esa luz roja, se mete de lleno en la fotografía. Comienza con una Canon prestada disparando en blanco y negro, con una sola lente, enseguida se aburre de la poca variedad de sus imágenes y se compra en el rastro por 500 pesetas una cámara con una lente de plástico que le distorsiona las imágenes, le vela los negativos o los raya, cosa que a él le resulta ideal ya que desde un primer momento no pretende documentar nada, su intención es crear.

Mientras está estudiando tienen lugar sus primeras exposiciones colectivas e individuales.

Se licencia en Ciencias de la Imagen por la Complutense de Madrid en el 87. Poco después recibe una Beca del Comité Conjunto Hispano-Norteamericano y se muda a Nueva York donde realiza un Máster en Arte  con especialización en fotografía en el I.C.P. Terminando el Máster y como proyecto final, decide presentar su proyecto de una manera distinta, con la imagen sobre cristal cuando se percata de los reflejos que genera ésta, cambia la presentación del proyecto y nace así “Sombras”.

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En el 92 recibe una residencia artística en la Academia de Arte de Budapest, tres años después realizará otra en el Banff Centre for the Arts de Alberta, Canadá. A las que seguirán la Beca Pepiniers del Instituto de la Juventud Europea y la Pilar y Joan Miró y el premio Ojo Crítico de RNE para Artes Plásticas. En esta década decide desentenderse de las novedades tecnológicas del momento sin seguir las tendencias del momento,  pero sí que investiga para ver cómo puede llevarse ciertas tecnologías a su terreno. Descubre así la fibra óptica, un medio ideal para crear sensaciones e interactuar con el espectador, ejemplos de estas instalaciones son “Alien Memory”, “Obscenity of the Surface”.

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Ese año también publica “Ciudades Efímeras; Exposiciones Universales: Espectáculo y Tecnología” donde investiga la formación de la mirada del espectador a través de la historia de estas exposiciones.

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A raíz de la degradación de su barrio donde empieza a fotografiar los derribos, las acumulaciones de escombros y basura que poco a poco le encamina hacia el que será uno de sus proyectos más conocidos relacionados con la basura y el reciclaje: “Otras Geologías”

Se siente totalmente fascinado por las tecnologías que se van quedando obsoletas como metáforas de nuestras vidas.

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Últimamente también trabaja con video pero de una forma abstracta y cómo éstas pueden transformar distintos materiales.  Un ejemplo de este trabajo son las instalaciones “Blade Runner” y “Dial M for Murder” dos películas que se encuentra un día en la basura y utiliza las cintas para proyectar estos vídeos sobre ellas.

Desde mediados de los 90 comienza a exponer en el extranjero hasta el punto en el que actualmente pasa más de la mitad del año en los Estados Unidos y la otra mitad en Madrid, como podéis leer en este artículo publicado recientemente en El País (ya veremos cuánto tarda Montoro en realizar insinuaciones sobre su declaración de la renta grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: DANIEL CANOGAR

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Para más información sobre su trabajo y si queréis ver su Declaración (aka Statement) en su página web.

Y aquí tenéis el capítulo que le dedicó el programa de La2 Metrópolis

El artículo de El Cultural.es de donde viene la cita que abre hoy.

Y entre las instalaciones permanentes que podéis visitar se encuentra “Constelaciones” el mosaico fotográfico más grande de Europa creado para dos puentes peatonales en el parque MRio de Madrid (si estáis por allí este fin de semana, mirad hacia arriba.

Pasad un gran fin de semana!

Sandra Blanco

 

FOTÓGRAFO DEL VIERNES: ANSEL ADAMS

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“En mi mente, visualizo como un momento y sentimiento particular aparecerán en la copia. Si me emociona, hay una gran posibilidad de que se convierta en una buena fotografía. Es una intuición, una habilidad que se desarrolla con la práctica”

Nace en San Francisco el 20 de febrero de 1902 en el seno de una familia acomodada con una residencia en Golden Gate. Cuenta con 4 años cuando una réplica el gran terremoto y el fuego de 1906, le arroja al suelo y se rompe la nariz, convirtiéndose en uno de sus rasgos característicos.

Al año siguiente, debido al pánico financiero de 1907 la fortuna familiar desaparece. Tímido por naturaleza, hiperactividad y su característica nariz, hacen que tenga problemas en el colegio. Cambiando de escuelas constantemente hasta que sus padres le ponen un tutor en casa. Esta educación solitaria es la que le impulsa a disfrutar de lleno de la naturaleza, realizando largas caminatas por Lobos Creek hasta Baker Beach.

Con 12 años aprende de manera autodidacta a tocar el piano y a leer música. El piano se convierte en su ocupación principal durante los siguientes 12 años con la total intención de convertirse en pianista profesional.

En 1916 descubre por primera vez Yosemite Sierra, próxima a Golden Gate y comienza a realizar marchas, escalada y a explorar el parque llevando consigo una Kodak Nº1 Box Brownie que le dan sus padres. En el 19 se une al Sierra Club y comienza a pasar los veranos en Yosemite Valey, sus primeros escritos y fotografías aparecen tres años después en el boletín del club.

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El 27 es el año en que Adams realiza por primera vez su primera fotografía visualizada “Monolith, the Face os Half Dome” y también es el año en el que realiza su primera salida de alta montaña. Todos los veranos se organiza una gran salida de alta montaña de un mes por Sierra Nevada que congrega a unos doscientos miembros del club, es durante estos encuentros en los que Adams comienza a darse cuenta que podría llegar a ganarse la vida con la fotografía. Conoce a Albert M. Bender, un magnate amante y mecenas de las artes.  Al día siguiente de conocerse, Bender comienza a preparar el camino para la que será la primera publicación de Adams “Parmelian Prints of the High Sierras” y es gracias al patrocinio de Bender la razón por la que Adams va dejando la música y centrándose en la fotografía.

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Al año siguiente se casa con Virginia West, a quien ha conocido también en el parque y expone por primera vez en la sede central del club en San Francisco.

En 1930 conoce a Paul Strand, cuyas fotografías resultan ser una gran influencia en el trabajo de Ansel, poco a poco va abandonando el pictorialismo en sus fotografías, centrándose más en la “toma directa” en el que se enfatiza la claridad de la lente y cuyas copias no parecen que hayan sido manipuladas ni en cámara ni en el positivado. A principios de los 30 es cofundador del famoso Grupo f/64 y tienen su primera exposición colectiva como tal en el M.H. Young Memorial Museum.

En el 33 viaja a Nueva York con el objetivo de conocer a Alfred Stieglitz por el que siente una profunda admiración. Surge una gran amistad y son los círculos de Stieglitz los que le proporcionan el gran despegue en el panorama artístico. Ese mismo año tiene su primera exposición individual en Nueva York en la Delphic Gallery. Un año después comienza a publicar en Camera Craft .

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Pese a su reconocimiento, comienza a tener problemas financieros y empieza a trabajar como fotógrafo comercial para clientes como el Yosemite concessionaire, el National Park Service, Kodak, IBM… y para las revistas Life, Fortune y Arizona Highways. Su dominio de la técnica fotográfica es de leyenda y también trabaja como consultor fotográfico para Polaroid y Hasselblad. Desarrolla el famoso y complejo “sistema de zonas” y produce 10 volúmenes de manuales fotográficos que serán de los libros más influyentes escritos sobre el tema.

Trabajador por excelencia, aunque también se le conoce por ser hombre de fiesta, entre sus cruzadas personales se encuentra la de promocionar la fotografía y elevarla a las Bellas Artes llegando a jugar un papel fundamental en la creación del primer departamento de fotografía en el MoMA.

Otra de sus particulares cruzadas era la del Medio Ambiente, activista convencido sus imágenes muestran la América salvaje y entregándose a la defensa de la vida salvaje principalmente de Yosemite National Park.

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Al principio de los 40 en un viaje a Nuevo México, Adams realiza una de las fotografías más icónicas “Moonrise, Hernandez, New Mexico” en ese momento y pese a que lleva un férreo control de sus viajes y gastos,  ese control se desvanece a la hora de fechar las fotografías y es lo que le causa un pequeño roce con el Departamento de Interior para el que lleva trabajando desde septiembre de ese mismo año para fotografiar parques nacionales y en el acuerdo al que habían llegado, se especificaba que Ansel podía tomar fotografías para sí mismo usando sus propia película y procesado… por la posición de la luna se pudo averiguar la fecha de la fotografía y al ser una en la que no había facturado al departamento, queda en propiedad del fotógrafo, aunque no pasa lo mismo con otras fotos que pasan a manos del gobierno de los E.E.U.U.

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En los 50 es cofundador de la revista Aperture y comienza a dar clases, continua con sus trabajos comerciales y como asesor para fabricantes de cámaras. Durante la década de los 60 comienzan a llegar los premios y reconocimientos.

En 1974 se produce su primera participación en  los Rencontres d’Arles como invitado de honor, donde volverá en otras tres ocasiones.

El 22 de abril de 1984 muere de un infarto en la U.C.I. del Community Hospital of Monterey Peninsula, California.

Para saber muchísimo más sobre su vida y obra, podéis hacerlo a través de la web The Ansel Adams Gallery 

Y sí, el amigo tiene Wikipedia

Aquí os dejo un documental que encontré en YouTube, en inglés pero sólo por ver las fotos merece la pena grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: ANSEL ADAMS

Y una entrevista que le hicieron un año antes de su muerte, en YouTube también.

Y creo que ya está bien, pero si queréis más siempre podéis Googlelear que hay para dar y tomar.

Pasad un gran fin de semana!

Sandra Blanco

 

 

 

 

 

 

FOTÓGRAFO DEL VIERNES: KERRY SKARBAKKA

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“Hay que tomar riesgos y empujar límites. Tienes que estar dispuesto a llegar al extremo de lo que estás haciendo. Si no lo haces, no vendes todo tu potencial”

Nace en Duluth, Minnesota en 1970. Desde su niñez pinta y dibuja por lo que en el instituto se va por la rama de las artes pero es en el College donde descubre que su vocación es la escultura, trabajando principalmente con metales. En este momento la fotografía no es más que un medio para documentar sus trabajos. Durante este período consigue su primera cámara de la mano de un amigo de la facultad que le debe dinero y le entrega como pago una Canon AE-1.

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Terminados los estudios se muda a Japón, llevándose la cámara consigo y, debido a los costes de material y espacio que suponen para él la escultura en ese país, comienza a tomar la cámara como el medio ideal para su expresión artística. Comienza fotografiando paisajes e incluso hace una pequeña incursión en el fotoperiodismo pero no lo encuentra nada original ni interesante.

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Toma conciencia del poder de la cámara cuando documenta la lucha y muerte de su madre por cáncer, esa experiencia le impulsa a retomar los estudios para tratar de averiguar si puede ganarse la vida con la realización de imágenes. Es cuando encuentra su camino como artista, preparando fotografías en las que la cámara es tan sólo el medio con el que documentar sus creaciones como ya hiciera con la escultura.

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Es en este momento cuando comienza el proyecto “The Struggle to Right Oneself” y sus primeras imágenes a final del segundo año de estudios, resultan en una primera exposición individual en el Museum of Contemporary Art de Chicago. Ese proyecto en sus propias palabras surge de la ansiedad, la tristeza y la confusión que experimenta tras la muerte de su madre y el 11 de septiembre. Su preocupación por la mortalidad y la condición humana, toda esa emoción, una vocación frustrada de actuar y varios años estudiando diversas artes marciales hacen que de pronto vea su cuerpo como la metáfora perfecta para tratar de conectar con el público y de una forma universal, casi irreconocible en ocasiones para que no se le vea a él, si no a un tipo cualquiera.

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El uso de su cuerpo y ciertas medidas de seguridad para esas fotos donde cae desde distancias no superiores a dos metros, no evitan que se rompa alguna costilla, esguinces de tobillos y diversas magulladuras. Tratando al mismo tiempo de hacer todo lo más rápido y seguro posible antes de que aparezca la policía. Utilizando arneses y cuerda cuando es necesario para hacerlas desaparecer en la postproducción.

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En 2004 se presenta a la Creative Capital Foundation con un proyecto que trata sobre el calentamiento global, las preocupaciones y efectos, recibiendo una beca que hace posible la realización de “Fluid”  para la que llega a sumergirse en alguna ocasión a más de 30m. de profundidad, contando eso sí con un equipo de expertos buceadores y localizando, realizando una fotografía de la escena antes de volver con su fotógrafo para esta ocasión, la imagen resultante es un montaje de sus fotografías y las que le hacen en el medio.

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La ciudad de Seattle le encarga una instalación y es su primer encargo para trabajar con video, le piden crear una ventana para el mundo exterior en la que exprese la relación de su cuerpo con los cuatro elementos: tierra, aire, agua y fuego… se crea una instalación de cinco canales que se muestran en cinco pantallas diferentes, pero que deben resultar duros para la gente que trabaja en el piso 28 de la Municipal Tower de Seattle pues le piden que los rehaga para “suavizar” las posibles preocupaciones de la gente que tiene que convivir con ellos. Los originales se pueden ver en su web, para ver la versión light toca ir a Seattle.

Actualmente vive y trabaja en Prescott, Arizona.

En su web, también os podéis descargar su currículum donde aparecen las numerosas exposiciones y premios que ha recibido y recibe. Y leer los Statement de su obra.

Os dejo también esta entrevista que he encontrado en e-junkie, que es la que prácticamente he traducido en los párrafos superiores pero os queda material que leer grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: KERRY SKARBAKKA

Y aquí le tenéis explicando su trabajo en la Hagendorn Foundation Gallery de Atlanta.

Y eso es todo por hoy! Pasad un gran fin de semana!

Sandra Blanco

 

 

 

 

 

 

 

FOTÓGRAFO DEL VIERNES: LARRY CLARK

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No trato de ser controvertido. Sólo intento ser honesto y contar la verdad sobre la vida. Viniendo del mundo del arte nunca pienso que haya cosas que no puedas hacer o mostrar”

Lawrence Donald Clark nace el 19 de enero de 1943 en Tulsa, Oklahoma. Su madre, fotógrafa de bebés y le introduce en el negocio familiar cuando Larry tiene 13. Con 16 años comienza junto a sus amigos a inyectarse anfetaminas… Con 18 va a la Layton School of Art de Milwaukee y cuando regresa, desde el 63 al 71 comienza a llevar ocasionalmente la cámara a las reuniones con sus colegas y documentando la realidad que están viviendo.

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Estudia en y en el 64 se muda a New York City para trabajar de freelance pero no lleva ni dos meses cuando le enrolan para luchar en la Guerra de Vietnam, lo que no le ayuda a estabilizarse para nada. Debido a la experiencias que vive durante los dos años que pasa en Vietnam, se decide a publicar en el 71 “Tulsa” un monográfico de fotografías en blanco y negro donde ilustra el uso de las drogas de sus amigos de su ciudad natal, al que le seguirá en el 83 “Teenage Lust” donde vuelve a exponer los restos de la siguiente generación de adolescentes de Tulsa, también en parte autobiográfico en el que se muestra él mismo a través de fotos de otros y en el que hacen su aparición también los chaperos de Times Square.

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En los 90, con “The Perfect Chilhood” mezcla imágenes reales y ficticias de adolescentes y el despertar de su sexualidad dando una imagen honesta de la época más idealizada de su vida en la que aparecen imágenes en blanco y negro de Tulsa, collages, escritos realizados durante su rehabilitación…

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Cuando en el 93 dirige el video musical de Chris Isaak “Solitary Man” desarrolla un especial interés hacia el cine. Se encuentra trabajando en una nueva serie fotográfica, Skaters,  cuando conoce a Harmony Korine le pide que escriba el guión de la que será su primera película: Kids, alabada y censurada prácticamente a partes iguales.  Parte del casting de la película son los chicos que retrató en su serie. A ésta, le sigue Another day in Paradise en el 98 y Bully en el 2001. Ken Park en 2002 que llega a ser censurada y no se llega a estrenar en algún que otro país.

Pese a dirigir, continua fotografiando, de 2003 a 2006, documenta la vida de Jonathan Velasquez que a su vez será su inspiración para su película Waasup Rockers.

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Y así continúa, fotografiando, exponiendo y recibiendo algún que otro premio, como el que se lleva su película más reciente “Marfa Girl” el “Marco Aurelio de Oro del Festival de Roma.

Vive en la actualidad entre Nueva York y Los Angeles.

Si queréis saber algo más sobre él, como siempre aquí tenéis su web.

Su página en el IMBD con toda la información sobre su filmografía.

Su espacio virtual en la Galería Luhring Augustine

Y para indagar todavía un poco más os dejo una serie de artículos y entrevistas de Americansuburbx.com

 

Y no podía faltar nuevamente la Wiki

Por lo demás, pasad un gran fin de semana y buena suerte!

Sandra Blanco

FOTÓGRAFO DEL VIERNES: ROBERT ADAMS

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“Tu propia fotografía nunca es suficiente. Cada fotógrafo que ha perdurado ha dependido de las imágenes de otros también, fotografías que pueden ser públicas o privadas, serias o divertidas pero que llevan consigo un recuerdo de colectividad”

Nace el 8 de Mayo de 1937 en Orange, New Jersey. En el 40 la familia se muda a Madison, N.J. En el 42 comienza a tener problemas respiratorios y en ese año sufre neumonía en dos ocasiones, pero aún así dos años después acompaña a su pare en sus salidas montañeras de fin de semana. En el 47, la familia en pleno se muda del Madison de New Jersey al de Wisconsin. Su madre profundamente religiosa es quien transmite a la familia la conciencia social y resulta ser su principal apoyo cuando con doce años sufre un ataque de polio en la espalda, el brazo izquierdo y la mano, de que se recupera satisfactoriamente. En 1952, su padre consigue un trabajo fijo en Denver, Colorado, una ciudad cuyo clima resulta ser beneficioso para la salud de Robert.

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En Denver, comienza a trabajar en un campo de Boy Scouts en el Rocky Mountain National Park, asiste a la Universidad de Colorado por un año hasta que en el 56 entra en la Universidad de Redlans en California donde se gradúa en Lengua Inglesa realizando un post-grado en la University of Southern California tres años después.

Apasionado de la literatura y la naturaleza, en el 60 se casa con Kerstin Mornestam quien comparte sus intereses. En 1962 comienza a trabajar de profesor auxiliar de Lengua Inglesa en el Colorado College y al año siguiente empieza a realizar sus primeras fotografías de naturaleza y arquitectura.

Aprende fotografía un año después de la mano de Myron Wood y tras leer todos los libros de fotografía que caen en sus manos como Camera Work y Aperture. En el 65, año en que se hace con el doctorado en Inglés compra su primera cámara de gran formato y al año siguiente comienza a trabajar a tiempo parcial para poder fotografiar durante más tiempo pese a que a menudo sus fotos son rechazadas en las publicaciones y devueltas en pésimas condiciones la mayor parte de las veces.

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Pese a todo, no se desanima y realiza fotografías durante sus viajes familiares a Alemania y Escandinavia. En el 69, se muda con su mujer al este con el fin de encontrar un público para sus fotografías y conoce a John Szarkowski, conservador de fotografía del Museum of Modern Art de Nueva York que compra cuatro de sus fotos. Vuelven a Denver, donde Kertin realiza un máster mientras Adams trata de publicar sin éxito en Aperture.

En el 71, se inaugura una colectiva en el Museum os Modern Art de Nueva York en la que participa. En 1973 recibe una beca Guggenheim que le permite trabajar y formar el proyecto que se convertirá en dos publicaciones Denver y What We Bought. Al año siguiente publica dos The Architecture and Art of Early Hispanic Colorado y The New West. A los dos años se publica Denver.

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Comienza a documentar los paisajes americanos en Wyoming, Utah, California y Colorado para el centenario de AT&T y comienza a publicar y exponer en Nueva York de forma regular.

Y tras años de publicaciones se retira durante un año a Astoria, Oregon, donde escribe un ensayo “In the American West is Hope Possible” que podéis descargar aquí. En Astoria procura pasar todo el tiempo que pueden al año tratando de defender la identidad de la ciudad haciendo frente a los promotores inmobiliarios a través de sus publicaciones.

En el 89 se inaugura su primera retrospectiva To Make it Homa: Photographs of the American West, 1965-1986 en el Philadelphia Museum of Art.

Los noventa es una década en la que continúa publicando y recibiendo cierto, que no excesivo, reconocimiento. Empieza a formar su archivo fotográfico y tras la muerte de su madre, se mudan a una pequeña casa en Astoria, para estar cerca de su padre y comienza a luchar contra la deforestación, realizando fotografía en los paisajes donde se están realizando esos “clareos”

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En el 2003, llega a un acuerdo con la Yale University Art Gallery para conservar gran parte de su archivo y continúa sin desfallecer con la lucha medioambiental.

Podéis averiguar más sobre su vida y obras en la Yale University Art Gallery

También os dejo una serie de artículos aparecidos últimamente a raíz de la retrospectiva que se puede visitar estos días en el Reina Sofia:

Arte Informado

El Confidencial

El diario.es

Y cómo no, también tenéis la Wiki en inglés..

Y una entrevista que le hicieron en Oregon, con motivo de otra retrospectiva en 2007 en YouTube

Si queréis pasaos por el Reina Sofía donde tendrán sus fotografías expuestas hasta el 20 de mayo, no será por tiempo grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: ROBERT ADAMS

Y eso es todo! Pasad un gran fin de semana y hasta el viernes que viene!

Sandra Blanco

 

FOTÓGRAFO DEL VIERNES: SOPHIE CALLE

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“No soy obsesiva, pero soy rigurosa. Si he decidido que voy a seguir esta regla o aquella otra me comprometo. No me aburro. Creo que tengo cierta habilidad porque creo en la construcción de la idea. Si la idea es buena es excitante. Me imagino como quedará en la pared” Sophie Calle.

Nace en Paris en 1953, tras finalizar sus estudios viaja por el todo el mundo durante siete años y cuando regresa a Paris se encuentra desconectada de su vida anterior, la ciudad ha cambiado, sus amigos también y es cuando decide seguir y fotografiar a extraños por las calles, con el fin de conocer nuevamente su ciudad y la idea evoluciona hasta el punto de crear las personalidades a través de esos extraños a través de sus actos.

En el 79, pide a una serie de extraños que busca por la calle que duerman en su cama, ocho horas y se dejaran fotografiar, haciendo una foto cada hora que pasa mientras les observa, esos extraños se convierten en “Les Dourmeurs”

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Cuando en 1979, sigue a un hombre que conoce en una fiesta en Paris sin ninguna razón especial, ya que no le gustaba especialmente y al que bautiza como Henri B. Se obsesiona con seguirle durante un viaje que éste hace a Venecia, queriendo saberlo todo sobre él pero controlando la situación, poniéndose límites, dejando de seguirle en el momento que regresa a Paris.  “Suite Vénitienne” le empuja a querer experimentar esa sensación por lo que le dice a su madre que le ponga un día un detective privado, sin saber cuando va a ser, sólo siendo consciente del mes, pero el día D le descubre en 10 min. y se dedica a hacer que la siga por todo Paris. con el informe y las fotos del detective más las notas que ella misma iba realizando crea “La Filature” en el 81.

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Ese mismo año y, a raíz de la frustración que había sentido al no poder seguir a Henri B. en su hotel, entra a trabajar como camarera de habitación en un hotel de Venecia durante un mes. Hace fotos de las habitaciones que limpia y escribe textos describiendo la misma, interesada en escribir la historia de cada habitación, la vida de una cama a través de toda la gente que pasa por ella. Así nace L`Hotel en 1983.

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Es en ese año cuando uno de sus proyectos crea cierta polémica,  realiza una serie de artículos para Libération, cuando se encuentra una agenda telefónica por la calle, la fotocopia y se la envía. Se decide hacer un retrato de esa persona a través de sus contactos, llamándolos y pidiéndoles una descripción de esa persona siendo conscientes de que se iba a publicar en el periódico. Salvo dos personas, que se negaron el resto accede, su único temor es que el protagonista de su historia se entere y ponga punto y final a la historia. Afortunadamente, al poco tiempo se entera de que este hombre va a pasar tres meses en Alaska y en ese momento se siente que disfruta de una libertad total, continuando su trabajo y se llega hasta enamorar un poco de él. A la vuelta, a nuestro protagonista no le hace mucha gracia y demanda al periódico por atentar contra su intimidad, exigiendo al periódico que publique una fotografía de la artista desnuda, cosa que consigue.

En el 86 comienza un proyecto, Les Aveugles, con personas ciegas, preguntándoles qué significaba para ellos la belleza, tomando fotos de sus descripciones, dejando en ocasiones que ellos mismo realizaran las fotografías mientras ellas les orientaba hacia lo que describían.

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A éste le siguen numerosos proyectos y en ellos, una película No Sex Last Night en colaboración con el fotógrafo americano Gregory Shepard, documentando un viaje a través de los Estados Unidos terminando el proyecto en las Vegas, donde pretendía casarse con Shepard y se casan, aunque enseguida Calle descubre que es para darle un final a la película, de la que ella no es muy consciente hasta que llegan a California y se ponen a editar.

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Podría pasar toda la noche escribiendo sobre más trabajos y proyectos que ha realizado y continúa realizando en su extensa carrera, pero también está bien que indaguéis un poco. Por lo que aquí os dejo una serie de referencias para que continuéis conociendo la obra de Sophie.

Tenéis la wiki en español e inglés.

Un artículo de este verano de El País

Su sección en la Gelerie Perrotin donde podréis además ver no sólo fotografías, también hay imágenes de sus instalaciones.

La página de Facebook, muy actualizada.

Y por último este vídeo de esferapublica en el que presenta su trabajo en Bogotá que merece la pena ver.

Y eso es todo por hoy, pasad un gran fin de semana!

Sandra Blanco

 

FOTÓGRAFO DEL VIERNES: SAMUEL ARANDA

grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: SAMUEL ARANDA

 “(La fotografía) Para mí es una forma de lucha, seguramente si no estuviese haciendo fotos estaría tirando piedras y manifestándome ahora mismo. En el fondo es fácil. Lo más importante es conseguir que transmitan emociones”

 Nace en Santa Coloma de Gramanet en 1979. Su afición por la fotografía hace que mientras trabaja en su moto, revisando contadores de gas, se lleve la cámara encima y realiza fotos de cualquier cosa que le llama la atención: accidentes, disturbios… pero es cuando, con 19 años, mientras se encuentra con su madre en la cocina de su casa  y escuchan una fuerte explosión, Samuel sale corriendo con su cámara hacia el lugar, un edificio cercano donde había tenido lugar una explosión de gas en la que fallecen tres personas. Cuando los periodistas llegan más tarde que él, le compran las imágenes que serán las primeras imágenes que publica y cobra.

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Desde ese momento comienza a tener claro convertir su afición en profesión. Comienza documentando los movimientos sociales de Barcelona, consciente también de que una imagen puede tener más impacto que lanzar piedras contra los mossos. Dentro de su círculo de amigos, tiene un colega de Tel Aviv y otro palestino, a ambos disfrutan de las mismas cosas pero no pueden hacerlo juntos, Aranda, comienza a interesarse por la situación de Israel y Palestina y, con 21 años,  decide conocer la realidad del conflicto de la mano de ambos. En primer lugar viaja a Tel Aviv y después a Gaza cubriendo el conflicto para la agencia EFE.

Empieza a trabajar como freelance, publicando en El País y en el Periódico de Catalunya.

En 2004 entra a formar parte de la AFP (Agence France Press) realizando la cobertura de conflicto y movimientos sociales en España,  Pakistán, Gaza, el Líbano, Iraq, el Sahara occidental, China y Marruecos.

En 2006, realiza un trabajo sobre los inmigrantes africanos que tratan de llegar a Europa por el que recibe el premio de la Asociación Nacional de Informadores Gráficos de Prensa y Televisión. Ese mismo año vuelve a ser freelance  viajando a Uzbekistán, Kosovo, Sudáfrica, Colombia, Rumanía, Moldavia, India… documentando desde la vida de los huérfanos en Bucharest hasta la Camorra napolitana.

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En 2011 viaja para cubrir la Primavera Árabe en Túnez, Egipto, Libia y Yemen, su trabajo en estos países se expone en el Instituto Cervantes de Nueva York y aparece en el especial “fotos del año 2011” del New York Times., periódico para el que trabaja como freelance en la actualidad.

 

Es una de las imágenes que realiza en Yemen, la que es elegida entre más de 100.000 y se hace con el World Press Photo of the Year el pasado año.

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Desde entonces continúa trabajando no sólo centrado en el mundo árabe, sino también en España, repartiendo su tiempo entre Túnez y Barcelona, ha puesto en las portadas las consecuencias de la crisis económica de nuestro país y del drama de los desahucios más allá de nuestras fronteras.

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Si queréis conocer más a fondo sus trabajo, podéis hacerlo a través de su página web

Y sobre sus ideas y experiencias en algunas de las entrevistas que le han hecho este último año:

GEA PHOTOWORDS

NUESTRO TIEMPO

20 MINUTOS

 

Y eso es todo! espero que hayáis disfrutado del primer fotógrafo del viernes de este año!

Saludos y pasad un gran fin de semana!

Sandra Blanco

FOTÓGRAFO DEL VIERNES: MARTIN PARR

grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: MARTIN PARR

 

“Voy directo y muy cerca de la gente yhago eso porque es la única manera en que puedes conseguir una fotografía. Vas directamente a ellos. Incluso ahora, no me resulta fácil. Pretendo que mi atención está centrada en otro lado. Si tu haces una fotografía de alguien es muy duro no mirarla después. Pero es eso lo que hace que te descubran. No trato de esconder lo que estoy haciendo, eso sería un disparate”

Martin Parr nace en 1952 en Epsom, Surrey. Su abuelo, George Parr, es fotógrafo amateur y es quien le mete el gusanillo de la fotografía en el cuerpo. Por lo que no es extraño que en del 70 al 73, estudie Fotografía en la Manchester Polytechnic .

A mediados de los 70, no sólo comienza la carrera de Martin Parr , el fotógrafo, si no que comienza la carrera de Martin Parr, el coleccionista, coleccionando postales, fotos y distintos objetos de la cultura popular que más tarde pasarán a formar parte de sus propias publicaciones.

grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: MARTIN PARR

Comienza a trabajar como fotógrafo documental y desde un primer momento se dedica también a la enseñanza. En un principio fotografía en blanco y negro, uno de sus primeros trabajos reconocidos, trata sobre el norte de Inglaterra “Bad Weather” publicado en 1982 y “A Fair Day” auto-editado en el 84, son dos ejemplos de esta etapa.

En 1984 se pasa al color, el trabajo resultante “Last Resort: Photographs of New Brighton” donde documenta la vida de las clases obreras británicas en dicha localidad, se publica dos años después y comienza a publicar de forma regular desde entonces. Su estilo directo, franco, considerado por muchos agresivo pero sobre todo innovador deja su huella e influye en la cultura fotográfica tanto en el Reino Unido como en el extranjero.

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Entra a formar parte como miembro de la agencia Magnum pese a la fuerte oposición de Philip Jones Griffiths que considera que el trabajo de Martin va en contra de todo lo que Magnum representa.

grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: MARTIN PARR

A principios de los 90, tiene su primer contacto  con el mundo del video en una colaboración con Nick Barker, realizando las fotografías que acompañarán el documental de éste “Signs of the Times” y en el 97 comienza a producir una serie de documentales para televisión con Mosaic Film.

En 2002, tiene su primera gran retrospectiva en la Barbican Art Gallery y el National Media Museum, que recorrerá Europa durante los cinco años siguientes.

Dos años después le nombran Profesor de Fotografía en The University os Wales Newport campus y ese mismo año asiste como director artístico invitado en los Recontres D’Arles.

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Continúa recibiendo premios, exponiendo y en 2008, se inaugura Parrworld en Haus de Kunst en Munich, donde no sólo se pueden observar sus fotografías si no toda una serie de sus propias colecciones: objetos, postales, sus colecciones de fotografía de otros artistas… es otra gran exposición que viaja por toda Europa durante los dos años siguientes. 2008 también es el año en el que recibe el premio Baume et Mercier de Photoespaña.

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Y continúa trabajando, exponiendo y enseñando, este mismo año, unos cuántos afortunados pudieron verle no hace mucho durante la celebración de Estampa.

Para conocer más a fondo su trabajo os remito como casi siempre a su página web,   donde además podréis encontrar su blog en el que veréis unas entradas muy interesante, os recomiendo para empezar Photographic Clichés  en el que nos cuenta que es lo que no hay que hacer si quieres que tus fotografías sean originales y a su huequito en Magnum.

Y a lo que dice Wikipedia 

Por otro lado, es meter su nombre en google y seleccionar vídeos y encontraréis un montón de entrevistas y documentales sobre su trabajo, ¿el problema? Casi todos en inglés, como éste. Pero aquí os dejo este otro, que aunque esté subtitulado en otro idioma, podréis ver la forma en la que trabaja desde el principio (que ha sido lo único que me ha dado tiempo a ver grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: MARTIN PARR

Bueno, y eso es todo, cerramos el 2012 y la semana que viene, os presentaremos al primer fotógrafo del viernes del 2013! Pasad un gran fin de semana/puente, tened una gran entrada y salida de año!

Sandra Blanco

 

FOTÓGRAFO DEL VIERNES: DAVID “CHIM” SEYMOUR

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“Todo lo que necesitas es un poco de suerte y la fuerza suficiente para apretar el disparador”

David Szymin nace en Varsovia, Polonia en 1911 en una familia de editores que editaban libros en judío y hebreo. Con el estallido de la I Guerra Mundial su familia se muda a Rusia, para regresar en 1919 de nuevo a Warsaw.

En octubre de 1929, con 19 años llega en tren a Leipzig para comenzar sus estudios de artes gráficas en la Staatliche Akademie für Graphische Künst und Buchgewerbe para continuar con el negocio familiar, pero tras completar sus estudios y regresar a casa por unos meses, encuentra que durante su ausencia la situación económica y política no es muy buena. Con el alza del fascismo y los sentimientos antisemitas los ataques contra los negocios judíos eran bastante frecuentes.

Con la ayuda de su familia, que le va a enviar una pequeña ayuda económica, David se matricula en la Sorbonne de Paris en 1932 en la Facultad de Ciencias donde estudia Química y Física avanzadas. Pese a completar sus cursos, sigue matriculado hasta el 35 por la tarjeta de residencia. Mientras está estudiando y para no convertirse en una carga familiar, comienza a buscar trabajos para mantenerse y es así como entra en contacto con el mundo de la fotografía. Trae ya de Polinia una acreditación periodística fruto de una colaboración puntual con Ruan, una agencia fotográfica de periodismo y publicidad de Varsovia, en el 33 conoce a David Rappaport que tiene una pequeña agencia de fotografía llamada Agence Rap. David toma prestada una Vidom de 35mm de la agencia y enseguida empieza a hacer fotografías, gracias a los conocimientos adquiridos en Leipzig y su pensamiento matemático, la técnica fotográfica no se le resiste y enseguida se hace con ella.

Interesado en retratar la vida de Paris huyendo los tópicos turísticos, prefiere centrar su atención en la vida nocturna, en el metro o en los trabajadores de Les Halles.

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Comienza a frecuentar el Café du Dôme en Montparnasse, que es frecuentado por la comunidad artística y un punto de encuentro entre inmigrates húngaros. Entre los frecuentes de Le Dôme, se encuentra, en 1934, con un joven Andre Friedmann con quien entabla una gran amistad. Empieza a trabajar como freelance, firmando sus fotografías como Chim y publicando en Vu, Regards y La Vie Ouvrière, entrando a formar parte de la plantilla de Regards en ese mismo año.

A través de Maria Eisner y la nueva agencia Alliance conoce a Henri Cartier-Bresson, Chim le presenta a Capa y en poco tiempo están los tres conviviendo en el apartamento en el que vive David en el barrio de Montrouge convirtiendo el cuarto de baño en un laboratorio fotográfico.

En la primavera de 1936, viaja a España para dar cobertura no sólo a la Guerra Civil si no para tratar de entender sus causas y posibles repercusiones. En mayo regresa brevemente a Paris para cubrir la victoria electoral del Frente Popular.

Regresa a España para seguir con la cobertura hasta el 38 una vez terminada la guerra civil cubre la retirada de los republicanos a Francia y poco después viaja a México con otro grupo de republicanos españoles.

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Cuando estalla la 2ª Guerra Mundial, sus padres mueren a manos de los nazis y Chim, viaja a Nueva York donde cambia su nombre por el de David Seymour adquiriendo la nacionalidad estadounidense, entra a formar parte del ejército americano y en el 44 viaja a Francia después del día D antes de la liberación de París, recibiendo la Estrella de Bronce. Se licencia al año siguiente y en el 47, junto a Cartier-Bresson, Capa, William Vandivert y George Rodger funda Magnum Photos.

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Continúa trabajando principalmente en Europa, documentando a los niños en situación de necesidad para UNICEF, grandes historias por todo el continente, estrellas de Hollywood en Europa y la constitución del estado de Israel entre otras cosas. Basado en París y en Roma, profundamente intrigado por la Iglesia Católica, realiza más de 2500 fotografías del Vaticano.

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En el 54, tras la muerte de Capa, asume la presidencia de Magnum y en el 56 se tralada a Roma, donde sigue publicando para Newaweek y House and Garden. El 10 de noviembre de 1956, se encuentra en Egipto y se dispone a cubrir un intercambio de prisioneros cerca del canal de Suez cuando muere abatido junto al fotógrafo francés Jean Roy por los disparos de una ametralladora egipcia.

Podéis conocer más sobre su trabajo en su página de Magnum.

 

En la sección sobre La Maleta Mexicana del ICP.

 

Y aquí os dejo el documental de La Maleta Mexicana que se emitió no hace mucho en La 2

 

Y eso es todo! La semana que viene tendremos al que será el último Fotógrafo del Viernes del año (si no se ha acabado el mundo en dos horas, claro).

Pasad unas felices fiestas!!

Sandra Blanco

FOTÓGRAFO DEL VIERNES: BETTINA RHEIMS

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“Soy una escritora con imágenes y lo curioso es que mi trabajo, cada proyecto, empieza con una lista de palabras. Comienzo con mi cuaderno de ideas que está lleno de palabras y, entonces, las palabras se convierten en imágenes”

Nace en Paris el 18 de diciembre de 1952, hija de Maurice Rheims, historiador del arte, novelista y miembro de la Academia Francesa. No va a la universidad y como es lo suficientemente guapa, comienza a trabajar de modelo, estamos en los 70 y en ese momento,  las modelos no son tan respetadas como ahora, pero ese trabajo le servirá para tener cierta experiencia al otro lado de la cámara.

Pese a haber tenido una breve experiencia en el laboratorio con 14 años que le encanta, comienza a trabajar de periodista y conoce a Serge Bramly, un fotógrafo no muy bueno con el que empieza a trabajar y que será el que la encamine de nuevo hacia el mundo fotográfico al regalarle una Rollei y animarle a encontrar su camino. En el 78 comienza a realizar encargos para publicaciones y portadas de discos. Pero es dos años después, en 1980, cuando se centra de lleno en la fotografía realizando una serie de retratos de acróbatas y bailarinas de striptease que aparece por primera vez en “Egoïte”. Este trabajo tiene una gran acogida y al año siguiente se expone individualmente en el Centro Pompidou y en la Galerie Texbraun de París.

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Al año siguiente, expone una serie de retratos de animales que se vuelven a exponer en Texbraun y en la Daniel Wolf Gallery de Nueva York.

Durante este tiempo sigue trabajando en el mundo editorial y empieza a realizar también sus primeras fotografías de moda, campañas para Well y Chanel al tiempo que trabaja con la agencia Sygma, a través de la cual, comienza a retratar grandes personalidades. En el 86, dirige su primera campaña comercial y empieza a rodar anuncios y videos musicales, como Voyage Voyage de Desireless al año siguiente, canción que se convierte en un éxito traspasando las fronteras francesas.

En el 89 se publica un monográfico con sus retratos femeninos “Female Trouble” que se expone en Alemania y Japón.  Al año siguiente se centra en una serie retratos de andróginos adolescentes “Modern Lovers” que se presenta por primera vez en Bélgica en el Palacio de Bellas Artes de Charleroi, y que viajará a Francia, Gran Bretaña y los E.E.U.U.

Continúa colaborando con Serge reconvertido en escritor, pese a su separación tras el nacimiento de su hijo, y juntos publican un libro con una serie de desnudos de jóvenes mujeres “Chambre Close” que se convierte en un bestseller y se reedita con frecuencia.

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En el 94 recibe el Gran Prix de la Photographie de la ciudad de Paris y al año siguiente, realiza el retrato oficial de Jaques Chirac. En el 98, de una nueva colaboración con Serge, nace “I.N.R.I.” una recreación de la vida de Jesús en la actualidad y que genera una gran controversia en el los círculos cristianos.

Con la entrada del nuevo milenio publica X’Mas, una serie de fotos de adolescentes descubriendo su femineidad. Tres años después, publica con Serge, “ Shangai, una serie de retratos de mujeres en distintas localizaciones tras una estancia en la ciudad que iba a ser de un mes y se convirtieron en seis.

En 2004 se publica “More Trouble” una retrospectiva de una década de sus trabajo centrada en retratos de celebridades y se inaugura su primera gran retrospectiva que viaja por varias ciudades europeas.

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En 2008 de la mano de Tachen publica “The Book of Olga” un monográfico provocativo con varios desnudos de la modelo, actriz y presentadora Olga Rodionova, casada con el billonario ruso Sergey Rodionov, que atrae una atención sin precedentes tanto del mundo del arte como de la política.

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Entre los trabajos realizados este año, se encuentra “The Gender Studies” creado a raíz de una petición para la reedición de “Modern Lovers”, Rheims se pregunta acerca de la situación actual de éstos jóvenes y convoca una especie de casting a través de Facebook aminando a todos aquellos jóvenes que se sientan diferentes a ponerse en contacto con su estudio y de donde salen las 30 elegidos de todas partes del mundo, de los cuales lleva a 27 a su estudio.

Si queréis conocer más a fondo su trabajo, aquí tenéis su web.

Y cómo nos iba a faltar Wikipedia. También podréis ver más trabajos en Jed Root y en la Edwynn Houk Gallery.

Una entrevista que le hicieron para Blouin 

 

Seguimos con un artículo en Le Journal de la Photographie, disponible también en francés grey FOTÓGRAFO DEL VIERNES: BETTINA RHEIMS  y la entrevista para el IKS sobre “Gender Studies”

Y os dejo con un pequeño e indiscutiblemente francés, making of realizado por Serge Bramly

Pasad un gran fin de semana!

Sandra Blanco